Blow (De Pas, D'Urbino, Lomazzi, Scolari, 1967)

Blow (De Pas, D'Urbino, Lomazzi, Scolari, 1967)

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Sillón Blow de Zanotta, icono del Pop-Art

Nos podemos sorprender cuando comprobamos la vitalidad con que se muestran algunos objetos cotidianos, como ciertos muebles como sillas y sillones, que nos parecen siempre actuales, siempre modernos, y resulta que llegan a tener hasta cien años de existencia. Nos encontramos ante una de las piezas más emblemáticas del diseño del siglo XX, aquellas que ya son conocidas por su nombre y que han significado la consagración de sus creadores. Piezas que siempre nos han gustado pero no sabíamos cómo localizar, porque las hemos visto como elementos con los que convivimos. Es el caso del sillón hinchable Blow, uno de los iconos de la cultura del Pop Art de los años sesenta.

Preliminares: El Diseño y el Pop Art

El diseño como disciplina, como materia de estudio

El diseño es una de las disciplinas para la cual la Historia del Arte no ha desarrollado un mayor acercamiento, a pesar de su conexión histórica y de presentar vinculaciones obvias en movimientos como el Art Noveau, Art & Craft, De Stilj, la Bauhaus, y en ciertos artistas y movimientos de vanguardia, el Pop-Art y estética contemporánea.

Como parte de la cultura estética y artística de nuestra época, su estudio nos proporciona dentro del contexto de la Historia del Arte, una aproximación a los fenómenos artísticos contemporáneos con un nuevo enfoque o perspectiva, entre otras cosas. Nos  encontramos ante el discurso artístico de los años 50-60, en los que se empiezan a destinar en museos de renombre salas específicas para el diseño gráfico (libros, carteles, etc.), y el diseño de objetos (mobiliario, cerámica, orfebrería, etc.) en un intento de generar un acercamiento a la tradición popular del diseño y sus vinculaciones a la producción artística.

El diseño como ciencia o disciplina surge en los comienzos de la Revolución Industrial. Su relación con la arquitectura, las artes plásticas, la artesanía e incluso la ingeniería, entre otras disciplinas, han permitido concebirle en la actualidad como una actividad interdisciplinar que se define de acuerdo a las necesidades, enfoques y estética de su tiempo. La interdisciplinariedad ayuda a complementar las visiones o perspectivas que se tengan de un mismo objeto práctico a través de elementos teóricos de diferentes disciplinas, o simplemente implica el desarrollo de un nuevo objeto o proyecto, mediante la interacción de varias disciplinas.

Indefinida desde sus inicios, esta disciplina tomó en cuenta los nuevos elementos a considerar en su vinculación con la industria: la tecnología y la producción en masa. Como veremos después, el objeto que nos ocupa, el sillón Blow, es muestra de esto: un material relativamente reciente derivado de la industria, el plástico; y el primer diseño de una silla para su producción en serie: el sillón hinchable Blow de Zanotta.

El diseño como producto estético

Los diseños en general se dirigían hacia el embellecimiento de la vida diaria y de los objetos de uso cotidiano dentro del contexto de la industria, que con la producción en masa y los adelantos tecnológicos, comenzaron a generar cambios profundos en la concepción y sensibilidad artística, planteando nuevos cuestionamientos en torno al arte y el diseño, en principio como derivado de la industria y las artes.

Las vanguardias artísticas que se agruparon bajo la denominación de Arte Moderno jugaron un papel decisivo no sólo en el arte, sino en la formación de una nueva sensibilidad estética que permitió superar las contradicciones con las se encontraba esta nueva disciplina. Con este movimiento se reconocieron las posibilidades de unión allí donde tradicionalmente sólo se percibían oposiciones e incompatibilidades insuperables: arte e industria, funcionalidad, belleza estética y vida cotidiana, y proponían que los objetos comunes ahora podían poseer un valor estético. Con este movimiento el impulso fue definitivo para considerar el diseño no sólo como elemento funcional sino también como un producto estético cultural, vinculado con lo artístico. Esto le convirtió en objeto susceptible de ser expuesto en museos y de contemplación estética más allá de su valor cultural o histórico, ya ganado con exposiciones permanentes en Museos como el Victorian & Albert o muestras como las Exposiciones Universales.

El Movimiento Pop-Art y el Diseño 

Con el llegada del siglo XX, las vanguardias artísticas no sólo permitieron una apertura al nivel de representación de la realidad y nuevas concepciones estéticas, sino que permitieron una real integración del arte y el diseño con movimientos como la Bauhaus, De Stilj, La Escuela de Diseño de Chicago, La Escuela de Nueva York y la Escuela superior de Diseño de Ulm en Alemania  y con el influjo de estilos provenientes directamente del arte o la arquitectura como el Minimal, el Arte Conceptual y el Pop Art, los cuales tradujeron en estilo el diseño a partir de los 70.

Pop-Art

Es importante lo planteado por el Pop Art, al inspirarse en imágenes publicitarias y al ser aclamado por un público de masas. Su finalidad parecía describir todo lo que hasta entonces había parecido indigno de atención y no propio del arte: la publicidad, las ilustraciones de las revistas, los muebles en serie, los vestidos, los comics, etc., desarrollados por artistas como Robert Rauschemberg, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein y Andy Warhol entre otros, quienes tomaron las imágenes directamente de la cultura de masas (Walker, 1975).

Así pues, el Pop Art utiliza objetos comunes (como las tiras cómicas, las latas de sopa, las señales de tráfico, las hamburguesas) como temas y también a veces como producto del arte en sí, elementos físicamente incorporados en el trabajo.

El movimiento Pop Art fue en gran parte un fenómeno cultural británico y americano de finales de 1950 y de los años 60 y fue llamado así por el crítico de arte Lawrence Alloway en referencia a la iconografía popular de su pintura y escultura.

La obras de los artistas pop estadounidenses como Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, James Rosenquist, y Robert Indiana, y  de los británicos como David Hockney  y Peter Blake, entre otros, se caracterizaron por la representación de los aspectos de la cultura popular  que tuvo un fuerte impacto en la vida contemporánea. Su iconografía tomada de la televisión, libros de comics, revistas de cine y de la publicidad, fue presentada de manera que enfatizaba lo objetivo, y por medio de la precisión de las técnicas comerciales utilizada por los medios de comunicación de los que tomó su propia iconografía.

Si profundizamos en el estudio de elementos de diseño de objetos de uso cotidiano y analizamos su origen y su desarrollo, descubrimos que pueden formar parte como componentes de un proceso creativo que está en conexión con una corriente cultural, a veces artística, como ocurre con el sillón Blow, y que a la vez es producto de la tecnología de la época, hecho con material industrial puntero, el plástico, y de las tendencias de la industria comercial y sus características de producción en masa para uso cotidiano del público en general.

Figura 1: Diversas obras pictóricas representativas del Pop-Art

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El Pop Art representa un intento de volver a una visión más objetiva, una forma de aceptación universal del arte después de la posición dominante tanto en los Estados Unidos como en Europa del Expresionismo Abstracto. También es iconoclasta, ya que rechaza tanto la superioridad del “high art” (arte de altura) del pasado y las grandes pretensiones del "avant-garde" contemporáneo (arte de vanguardia). El Pop Art se convirtió en un acontecimiento cultural por su fiel reflejo de una situación social particular y porque sus imágenes, fácilmente comprensibles fueron inmediatamente explotadas por los medios de comunicación de masas.

Aunque los críticos del Pop Art lo describieron  como vulgar, sensacional, carente de estética y como una broma, sus defensores (una minoría en el mundo del arte) lo vieron como un arte que era democrático y no discriminatorio, que reúne tanto a los conocedores y expertos como a los espectadores no preparados.

El Pop Art fue un descendiente del Dadaísmo, un movimiento nihilista de la década de 1920 que ridiculizaba la seriedad del arte contemporáneo parisino, y de forma más amplia, la situación política y cultural a la que la guerra había llevado a Europa. Marcel Duchamp, el número uno del Dada en los Estados Unidos, que intentó acortar la distancia entre el arte y la vida mediante la defensa artística de los objetos de producción industrial de su tiempo, fue la figura más influyente en la evolución del Pop Art. Otros artistas del siglo XX que influyeron en el Pop Art fueron  Stuart Davis, Gerard Murphy y Fernand Léger, todos los cuales representan en su pintura la precisión, la producción en masa y los materiales comerciales de la era de la máquinaria industrial.

Artistas y Características del Pop-Art

El Pop Art es un movimiento internacional de pintura, escultura y grabado. El término se originó a mediados de la década de 1950 en el ICA de Londres, en las deliberaciones celebradas por un grupo de artistas sobre los artefactos de la cultura popular. Este pequeño grupo incluye a los artistas Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, así como otros arquitectos y críticos. Lawrence Alloway (1926-1990), el crítico que utilizó por primera vez el término en forma impresa en 1958, concibió el Pop Art como el hermano menor de un Pop Artular dentro de la historia de las bellas artes, que abarca formas como la publicidad, la ilustración de ciencia-ficción y diseño de automóviles. Richard Hamilton definió el Pop Art en 1957 como: "popular (destinado a un público masivo); transitorio (como solución a corto plazo); consumible (fácilmente olvidado), de bajo coste, producido en masa, joven (destinado a los jóvenes); ingenioso, sexy, publicitario e innecesario; glamoroso, y un gran negocio".

Hamilton se puso a explorar, en pinturas como "$he" (1958-61, Londres, Tate) (figura 2) , las connotaciones ocultas de las imágenes tomadas directamente de la publicidad y la cultura popular, haciendo referencia en la misma obra a las modelos y a los electrodomésticos como medios para comentar el erotismo encubierto de la presentación de la publicidad.

Figura 2. $he, R. Hamilton (1958-61, Londres, Tate)

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Aunque el Pop Art surgió tanto en Inglaterra como en Estados Unidos, tienen sus diferencias características: el Pop Art americano tiende a ser emblemático y anónimo; el Pop Art inglés expresaba una visión un tanto romántica de la cultura pop. Algunas de las formas más sorprendentes del Pop Art fueron las  reproducciones estilizadas de  las tiras cómicas de Roy Lichtenstein usando los puntos de color y tonos de  impresión comercial; pinturas de serigrafías de etiquetas de latas de sopa, cajas de jabón, y botellas de bebidas de Andy Warhol, esculturas de plástico blando de objetos tales como accesorios de baño, máquinas de escribir, y las hamburguesas gigantes de Claes Oldenburg ,  "Grandes  Desnudos Americanos", cuadros planos, directamente pintados como símbolos sexuales sin rostro, de Tom Wesselmann.

Temática

Los artistas pop ingleses  tienden a tratar con la tecnología y la cultura popular principalmente como temas, como metáforas; sin embargo, algunos artistas pop estadounidenses realmente parecían vivir estas ideas. El lema de Warhol, por ejemplo, fue: "Creo que todo el mundo debería ser una máquina", y trató en su arte producir obras hechas por máquinas.

El Pop Art no fue tomado en serio por el público, pero encontró la aceptación de la crítica como una forma de arte adaptado a la alta tecnología, y los medios de comunicación orientados a la sociedad de los países occidentales.

Uno de los temas predominantes fue el uso de productos de consumo, y entre los rasgos característicos encontramos las técnicas visuales de la publicidad como el uso del color en revistas de alto brillo. Este cambio fue el resultado de la influencia de los medios de comunicación más que de un uso directo de las imágenes pop. El grupo de artistas pop británicos comparten la actitud irónica hacia el estilo y la imagen. El Pop Art americano surgió de repente en la década de 1960 y, en general, se caracteriza por una presentación austera y emblemática que contrastaba con las tendencias de la narración y análisis del Pop Art  británico. En su propuesta más rigurosa, el pop estadounidense insistió en una relación directa entre el uso de las imágenes de la producción en masa y la adopción de procedimientos tecnológicos modernos. Considerando que el Pop Art británico a menudo apoya o critica la cultura de consumo, los artistas pop estadounidenses tendían a tener una actitud más ambigua con respecto a su objeto, con la mezcla de glamour y emoción que caracteriza los iconos de las estrellas de Hollywood serigrafiadas de Andy Warhol, como en el díptico Marilyn (1962, Londres, Tate).

Figura 3. Díptico de Marilyn, Andy Warhol, 1962

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En comparación con la heterogeneidad de Pop Art británico, desde la década de 1960, el Pop Art americano parecía ser un movimiento unificado, más homogéneo. Por sus características formales compartidas, incluía una imaginería contemporánea agresiva, el anonimato de la superficie, aplicando colores planos y una unidad de estilo centralizado a menudo asociado con las composiciones. Cada uno de los artistas americanos se apresuró a establecer su identidad, por el componente irónico que tiene el arte, como cualquier otro producto de consumo o de una marca de comercialización.

Basándose tanto en el formato como en las imágenes de los objetos cotidianos (latas de conservas, botellas, paquetes, soportes publicitarios, etc,), los temas son temas de la vida contemporánea, lo que supone un campo abonado para la aparición del diseño de objetos cotidianos en la industria comercial: el uso del mobiliario.

El Sillón Blow

Figura 4.Sillón Blow, Gionatan de Pas, Donato D'Urbino, Paolo Lomazzi y Carla Scolari, 1967. Fotografía de V&A Photographic Studio

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Diseñado por el equipo de diseñadores italianos compuesto por Gionatan de Pas, Donato D'Urbino, Paolo Lomazzi y Carla Scolari, en 1967, el sillón Blow (figura 4) fue la primera pieza de mobiliario hinchable de salón producida en masa que tuvo éxito. La calidad de la transparencia y la transitoriedad del sillón Blow contrasta con los valores tradicionales de solidez y permanencia; su portabilidad hizo el sillón ideal para el estilo de vida informal del nuevo nicho de mercado joven que estaba apareciendo en la década de los años sesenta.

El sillón Blow representa un cambio en el estilo, teniendo en cuenta el gusto del público, y es en fin reflejo de la cultura popular. La filosofía del “disfrútalo hoy y llévalo para mañana” de la década de los años 1960 creó un mercado de jóvenes ansiosos de un enfoque nuevo y emocionante para los muebles del hogar. Se animó a los diseñadores a desarrollar muebles baratos sin grandes pretensiones, reflejo de una mentalidad liberal y de una sociedad sin clases. Los diseñadores italianos florecieron con esta nueva filosofía y se crearon un gran número de nuevas empresas en los años 1950 y 1960. Sus muebles se adaptaron al estilo de vida siempre cambiante de la década de 1960. "La década de 1960 dio paso a una nueva idea o 'significado' de los muebles de plástico. De plástico eran, en cierto modo, la forma y el contenido. Se había convertido en "fiel a su material''.

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Los Diseñadores 

El sillón Blow de Zanotta fue diseñado por Gionatan De Pas, Donato D'Urbino, Paolo Lomazzi, y Carla Scolari en 1967 y producido en 1968.

Este mueble de diseño (figura 4) está en exposición permanente en el MoMA de Nueva York, y ha ganado un lugar preferente en la historia del diseño; es una pieza clásica de mueble de diseño. Fue la primera colaboración producida por Studio DDL en Milán. De Pas, D'Urbino y Lomazzi crearon su propio estudio de desarrollo arquitectónico y urbano y de diseño industrial en Milán en 1966. En él iniciaron su camino en la creación de muebles hinchables y modulares de PVC, como el sillón Joe (1970), con forma de guante de béisbol, en honor al legendario jugador americano Joe DiMaggio, o el sillón Blow (1967) junto con Carla Scolari, que fue quien contribuyó más a la creación de su diseño, convirtiéndolo en el primer mueble hinchable producido en serie y en un icono de la cultura pop. "Éramos jóvenes, estábamos llenos de vida y queríamos romper con la tradición burguesa", dijo Paolo Lomazzi.

El estudio se centró en el desarrollo urbano y en el diseño industrial, donde todos los diseñadores comparten una actitud muy poco convencional. En 1970, el estudio intervino en el diseño del pabellón italiano de la feria mundial de Osaka, y en 1972 participó en la exposición “Italy: The New Domestic Landscape” en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1979 recibieron el premio Compasso d´Oro de la Trienal de Milán por su perchero Sciangai, un objeto que rediseñarán en 1988 con una ondulada melena que le da su nombre, el perchero Parruca editado por Santa & Cole. Durante esta década surgieron diversos asientos flexibles e intercambiables, como el Flap o el Jointed, sistemas de almacenamiento como la estantería Biblio-Tech, muebles de plástico y contrachapado y complementos.

En 1983, fueron autores de un film producido por la Televisión Nacional Italiana (RAI TV) sobre la historia del diseño italiano en los últimos treinta años llamado “Dal cucchiacio alla città: il design italiano dal 1950 al 1980” (“De la cuchara a la ciudad: el diseño italiano de 1950 a 1980”, haciendo referencia al famoso lema de la Bauhaus).Hoy en día continúan, sin De Pas (que falleció en 1991) con su imparable actividad en los terrenos de la arquitectura, el diseño, las exposiciones, el interiorismo y la planificación urbanística. "Queremos crear objetos amables, alegres y útiles a las personas", afirma Lomazzi cuando describe la filosofía de su estudio.

Para DDL, el objetivo era sencillo: el diseño de objetos de bajo coste y sin complicaciones para un estilo fresco y juvenil como alternativa de vida. Se llevaron a cabo experimentos con materiales en las instalaciones de arquitectura de neumáticos en busca de inspiración. Descubrieron que había que diseñar unos muebles prácticos ligeros y lo reflejaron en el sillón Blow. Este sillón es un hito en el diseño de muebles y se desvía de las nociones tradicionales de alto costo y permanencia. El diseño de este sillón hinchable refleja el interés que existía en los diseñadores experimentales por la informalidad del Pop.

Fabricación, proceso y componentes

El sillón Blow se basa en el principio de construcción de un bote hinchable. Este sillón fue fabricado en plástico PVC (cloruro de polivinilo), que requiere el desarrollo de la tecnología de soldadura de alta frecuencia. Es similar a la silla Bibendum, de Eileen Gray (figura 5), inspirada en el hombre Michelin, igual que este diseño. Unos dibujos animados de la época mostraban una lancha hinchable cortada por la mitad, con similitudes obvias.

Figura 5. Silla Bibendum, de Eileen Gray

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En 1960, Panton ya había introducido asientos de plástico hinchable sin respaldo que podían moverse sin esfuerzo y adaptarse a diferentes circunstancias y espacios. Se habían realizado con película de plástico transparente soldada. No sólo el material permitía la movilidad, sino también proporcionaba una mayor utilidad funcional a los asientos, ya que podría actuar como apoyo a la vez que de acolchado para sentarse o inclinarse echándose y como una superficie estable pero maleable.

La silla Panton había sido diseñada por Verner Panton en 1960, y fue fabricada en serie por primera vez en 1967 por Vitra. Pero era una silla compacta. Lamentablemente, Panton no pudo perfeccionar el método de soldado de su material para uso de cubos hinchables y nunca se pudo producir sillas hinchables en serie como quería. Unos seis años más tarde, sin embargo, los diseñadores Gionatan De Pas, Donato D'Urbino, Paolo Lomazzi y Carla Scolari consiguieron diseñar el sillón Blow uniendo sus componentes con éxito y se pudo producir en serie para la empresa Zanotta.

Como primer sillón hinchable producido en serie, el sillón Blow fue más una declaración de la cultura juvenil utilizando nuevos materiales y alta tecnología, a la vez que cuestionaban la presunta permanencia asociada a los muebles. La inspiración para la fabricación de este sillón vino de la idea funcional de los materiales de un bote hinchable. Los diseñadores creyeron que era esencial que el sillón fuera ligero, fácil de almacenar, barato y transparente. Iba a ser fabricado en lámina de PVC transparente, pero como no era posible pegar este material, fue necesario desarrollar un método alternativo de unión. Después de muchas pruebas y un largo proceso de investigación se descubrió que el PVC podía unirse utilizando soldadura electrónica. Está fabricado, pues, en PVC prensado electrónicamente y soldado con alta frecuencia.

El sillón se hincha a través de una válvula en el centro de la espalda, el cojín del asiento está separado y tiene su propia válvula, y se acopla en el sillón sobre una membrana para formar el asiento. Otra membrana se encuentra por debajo del asiento, lo que le da una estabilidad adicional.

Figura 6. Sillón hinchable Blow, con cojín y doble membrana.

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Fases

De plástico moldeado, el sillón Blow es el ejemplo de la búsqueda en la utilización de nuevos materiales. De hecho, siendo el primer asiento de una pieza de material sintético, pasó por varias fases principales para perfeccionar su composición y método de producción.

1956 - Apilable de una pieza, el asiento era de madera contrachapada diseñada para el Concurso Europeo WK de Muebles de Diseño.

1960 - Modelo prototipo en extrusión de polysteron fabricado por Dansk Acryl Teknik.

1963 - Fase de desarrollo - Diez modelos experimentales producidos a partir de laminado a mano de poliéster reforzado con fibra de vidrio.

1967 – Fabricado en un número limitado en poliéster reforzado con fibra de vidrio prensado en frío. El sillón era muy fuerte y necesitaba ser lijado y lacado a mano.

1968 – Producción en masa fabricada en poliuretano (materias primas 'Baydur'). Esto era más ligero y más fácil de trabajar, pero todavía tenían que ser terminadas a mano.

1968 - La producción continuó en espuma dura de poliuretano ( 'Baydur' lacado) en siete colores. Cada unidad tardaba 30 minutos en producirse.

1971 - Fabricado en serie en termoplástico polysterol (llamado 'Luran-S', realizado por BASF), moldeado por injección y alisado. Este sillón se vendió al por menor a un precio inferior. Se agregaron nervios o rebordes a la base de la zona de sentarse para garantizar la estabilidad. El material no era muy resistente y esta versión del sillón se suspendió.

1983 - La producción se reanudó en espuma dura de poliuretano.

1991 - Fabricado en serie en polipropileno con un acabado mate, debido a la susceptibilidad del material.

Blow fue fabricado en colores brillantes (originalmente, amarillo, rojo y transparente), realzados, tan deseados por los diseñadores y el público en general de la época momento. Era grande y confortable y, algo que nadie había visto antes.

Fotos

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 Dimensiones:

43.31" (110cm) ancho x 32.68" (83cm) alto x 40.16" (102cm) de fondo

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El Material: El Plástico.

A mediados de los años sesenta, la producción masiva de artículos y la aparición de nuevos materiales había influido en una tendencia cultural hacia la prefabricación y artículos desechables. Fue el comienzo, tal vez, de la sociedad desechable en la que vivimos.

El sillón Blow está realizado en material plástico de PVC. Los jóvenes diseñadores que idearon esta pieza pretendían romper con todas las convenciones del mueble burgués y demostrar al mismo tiempo que el diseño era algo muy serio. La firma Zanotta aceptó esta pieza que pasó a convertirse en un icono de los años 60. El sillón Blow además era una pieza fácilmente transportable ya que se podía manejar bien antes de su inflado.

El sillón Blow fue diseñado para utilizarse en interiores y exteriores, pero el material plástico hace que no resulte adecuado para los días calurosos de verano.

El Plástico, el Pop y el Producto de Diseño en Serie

(Información extraída y resumida del artículo de Gareth Williams, 2007)

Hay objetos de plástico por todas partes en un museo aunque no lo parezca. El alumbrado, los soportes, contenedores o cajas y todo tipo de accesorios se encuentran repartidos en las colecciones de cerámica y vidrio, de forja, muebles y madera, y en las colecciones de textiles y vestidos. Hay museos que cuentan con una gran colección de juguetes de plástico. El origen de esta diversidad no planificada data de principios de siglo XX, cuando las colecciones de los museos se catalogan en grupos basados en los materiales, en general, madera, metal, cerámica y vidrio, textiles, piedra y papel.. Posiblemente debido a que no ha sido muy común por lo innovador del material que los museos hayan tenido una colección oficial y específica de plásticos, no se ha logrado integrar plenamente los materiales que más se asocian con el diseño del siglo XX en su política de gestión de forma colectiva.

Finalidades

El primer uso del plástico en muebles presentados en una colección parece ser la incrustación de decoración de un  pequeño gabinete de fumador por CR Mackintosh (1868-1928) de 1917. Anteriormente, el plástico había sido un material puramente utilitario y sólo se recurría a él para imitar el marfil caro de los mangos de las cuberterías o de los sets de baño. El material translúcido amarillo era Erinoid TM (Erinoid), una hoja de plástico que Mackintosh utilizaba para su decoración más que por sus cualidades estructurales.

Las cualidades del plástico como material estructural fueron reconocidas en la década de 1930 cuando la BakelitaTM (Bakeland) (fenol formaldehído) se convirtió en un material popular para objetos como los carcasas de los aparatos de radio y las cajas de cigarrillos. La radio AD-65 Wireless (figura 7), una forma circular de moldeado completamente de baquelita, diseñado por Wells Coates (1895-1958) en 1932 para Ekco Radio, fue de los primeros en ser de plástico no disfrazados como otro material.

Figura 7. AD-65 Wireless, Radio Ekco, Victoria & Albert Museum, (1932)

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Por otra parte, debido a su perfil curvilíneo, la caja de este aparato de radio no se podrían haber hecho en cualquier otro material, y menos de madera, a la que el plástico sustituye rápidamente en este ámbito particular del diseño. Desde esta fecha, el uso del plástico y el diseño de equipos de audio se convirtieron en zona reservada de los Modernistas. Actualmente, como atestiguan las colecciones existentes, es casi imposible comprar una radio que no sea de plástico.

Características del Plástico

¿Cuáles fueron las características especiales del plástico que atrajeron tanto a los diseñadores y fabricantes?.
Se encuentra entre el grupo más versátil de los materiales conocidos, con diferentes variedades notables por sus puntos fuertes, que van desde la rigidez total a la completa flexibilidad, por no hablar de su inmovilidad y su estabilidad. El plástico permitía el desarrollo de un número infinito de formas novedosas y colores que eran imposibles de producir con materiales naturales. Sin embargo, las molduras de plástico requieren herramientas caras y un alto grado de industrialización, pero los productos resultantes pueden ser producidos en masa de forma barata y en gran cantidad. La versatilidad, la novedad y el potencial de reproducción eran las cualidades perfectas de cualquier material para los fabricantes de los nuevos productos de consumo. La colección Bulmer de cincuenta nueve cajas, relojes, juegos de escritorio, y recuerdos de fumar ejemplifica los productos hechos de plástico, baratos, de moda y llamativos de la década de 1930.

Muebles de Diseño de Plástico

Varios de estos objetos que se encuentran en las primeras colecciones fueron regalos promocionales distribuidos por los fabricantes, lo que confirma la naturaleza efímera y comercial del diseño de plástico.

Los diseñadores de muebles, a menudo obsesionados con la producción de sillas moldeadas de una pieza, han explorado las características estructurales de los plásticos.. Los experimentos con madera contrachapada en la década de 1950 condujeron a la producción de sillas de fibra de vidrio en formas orgánicas como las de Charles y Ray Eames y otros.. En Gran Bretaña, Robin Day (nacido en 1915) diseñó una de las piezas de moldeado de silla que tuvo gran éxito, la "POLYPROP“ (1966).. El polipropileno fue inventado en 1954, y su resistencia y maleabilidad fueron perfectamente explotadas en el diseño de Robin Day.

La espuma de caucho sintético, elaborado a partir de 1945 para la tapicería, presenta actualmente graves problemas de conservación, debido a su deterioro y a la calcificación..

Una primera exposición de Sillas Modernas fue organizada por el Departamento de Circulación y la Whitechapel Art Gallery de Londres en 1970 y muchos de los mejores ejemplos de la colección Pop de muebles de plástico fueron adquiridos en este momento.  Estos incluyen creaciones futuristas y fantásticas por los principales diseñadores italianos y daneses de la década de 1960. Gran parte del diseño pop, no sólo de los muebles, sino también de ropa y accesorios, eran esencialmente efímeros: no estaba previsto que durasen, sino se intentaba que el producto estuviese disponible para converstirse en la moda para los consumidores. El plástico es el material preferido por su bajo precio, versatilidad y las connotaciones culturales en general de un brillante futuro sin trabas por las tradiciones del pasado. El futuro ha demostrado ser menos brillante para algunos objetos, entre ellos el sillón Blow, el sillón claro de plástico hinchable, italiano, que en la colección del Victoria & Albert Museum se ha endurecido y ha perdido el color con la edad (véase el artículo de Roger Griffith). La esperanza de vida prevista del objeto se ha superado con creces, lo que resulta paradójico en un intento del Museo de preservar un objeto esencialmente efímero y transitorio. Dado que los materiales se degradan inexorablemente y las estructuras químicas se alteran debido a las condiciones ambientales, los museos se encuentran con un problema a largo plazo de presentación y conservación con las piezas de plástico.

Los muebles experimentales en la década de 1990 también ha explorado las posibilidades estructurales del plástico y han tratado de extender la vida útil del material, como demuestran dos recientes adquisiciones del Victoria & Albert Museum. La estantería. 'Bookworm ' de Ron Arad (1995) (figura 8), hecha por Kartell, el principal fabricante italiano de plástico, se aprovecha de la flexibilidad y la fuerza de la tira de plástico extruido (tecnopolímero termoplástico) para crear una pared versátil e individual montada sobre una plataforma que puede ser articulada por cada usuario para adaptarse a cualquier espacio de la pared. Aunque el producto fue un éxito de ventas para Kartell, no era barato, los muebles de plástico ya no se perciben como un truco desechable o el pariente pobre de los materiales naturales. Kartell utiliza materiales vírgenes para producir plásticos, pero hay un creciente interés en Kartell por el reciclaje de residuos post-consumo para crear nuevos productos.

Figura 8. Estantería Bookworm, Ron Arad, 1995.

Fotografía V&A Photograhic Studio
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Figura 9. Silla RCP2, Jane Atfield, 1996.

Fotografía V&A Photographic Studio

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La silla de Jane Atfield (1996) se produce de material plástico integrado en su totalidad de reciclado, polietileno de alta densidad (figura 9). Las botellas que se utilizan son de todas clases, desde champú a la leche, de detergente y de aceites bronceadores, y son recogidas en los sistemas de reciclaje de la comunidad, que tras los procesos de lavado, picado y prensado forman un material de diferentes grosores de tablero. Como testimonio de sus orígenes, es posible encontrar rastros de la impresión y de etiquetas, entre las manchas de color de las placas auto-decoradas. El reciclaje representa un paso adelante para la industria del plástico y en una época en la que el consumidor es cada vez más consciente y comprometido con el medio-ambiente.. La durabilidad a largo plazo del plástico reciclado ha sido puesta a prueba y podría ser que la combinación de diversas formas de plástico en un compuesto demuestre que puede ser fugaz y en última instancia autodestructivo. Sin embargo, por el momento, el plástico se está disfrutando de un segundo uso. Es de prever que una mayor comprensión acerca de las estructuras químicas de los plásticos, combinado con la avanzada tecnología de los materiales mismos, significará que en el futuro los museos podrán evaluar y tratar los productos de plástico.

Los plásticos se utilizan ahora en todas las áreas de diseño, desde la electrónica de consumo a los utensilios de cocina, desde las joyas hasta los coches. Es un material que ha revolucionado la forma e incluso la función de los objetos que utilizamos. Su uso en el mobiliario y el diseño de los productos, es sólo un pequeño indicador del alcance total de los objetos diseñados con este material, una sustancia que ha definido de manera significativa el diseño del siglo XX.

La empresa: Zanotta

Fundada en 1954, Zanotta es uno de los líderes reconocidos en el diseño industrial italiano. Guiada por la intuición y la excelente capacidad empresarial de su fundador, Aurelio Zanotta, a partir de la década de 1960 la empresa Zanotta obtuvo atención internacional. Gracias a sus productos, emblemáticos por sus innovaciones formales y tecnológicas, la colección actual de Zanotta comprende estos tipos de muebles: sillones, sofás, unidades de almacenamiento, estanterías, sillas, mesas, mesitas de café y complementos de decoración. La empresa se hizo popular por dos de los diseños más representativos de la época: los sillones Blow (1967) y Sacco (1968), sillón anatómico diseñado por los también italianos Piero Gatti, Cesare Paolini, and Franco Teodoro.

Se esperaba que la vida del sillón Blow fuera corta, incluso traía su propio kit de reparación. Su bajo precio lo reflejaba. La publicidad del sillón Blow fue enorme, era algo nuevo y fresco para Zanotta. Era un sillón para descansar, para compartir con amigos, para presumir, y luego dejarlo cuando hubiera pasado de moda.

Después de las ventas masivas en los años sesenta, el sillón se mantuvo en producción, y tuvo lugar un gran relanzamiento en los años ochenta, cuando Zanotta le dio un status de "diseño clásico" y ascendió como producto final de interiores.  Surgieron imitadores y salieron a la venta versiones baratas en todas partes. El sillón Blow, con su status de "producto clásico", exigió un precio más alto y, actualmente, no es un mueble barato, de usar y tirar, sino algo que se compra y se cuida.

Colecciones:

El sillón Blow es, pues, un clásico en el diseño de muebles y forma parte de colecciones permanentes en el museo MoMA de Nueva York , en el Museo de  Israel, en el Museo de Diseño Vitra, Weil am Rhein, en el Museo de Diseño Triennale de Milán, y en el Museo de Bellas Artes de Montreal.

Conclusión

Hubo una época en que los sillones Blow eran piezas de moda, se podían ver en las películas en amplios salones de casas de diseño, amontonados en fiestas y celebraciones, en los dormitorios de los adolescentes, en el parque en un día de verano: los sillones hinchables llegaron a ser una imagen muy común de una época. Zanotta de vez en cuando vuelve a presentar el sillón Blow. Imitado a menudo en la forma pero no en su calidad, el sillón Blow es realmente único y de diseño verdadero clásico, y fue un éxito instantáneo, que todavía sigue fabricándose en la actualidad.

En el siglo XX, la producción en serie ha logrado poner diseños de alta calidad al alcance de millones de personas, y los diseñadores han alcanzado una posición y un prestigio que antes estaba reservado únicamente a los artistas. Los museos, además de otras instituciones y asociaciones, como reconocedores determinantes de los fenómenos artísticos, destinados a la divulgación del arte en general, han abierto sus perfiles, exigiendo del público una mirada más reflexiva. Esto ha generado una nueva sensibilidad estética hacia el diseño en general y a los diseñadores como creadores.

La proliferación de museos específicos de diseño en los Estados Unidos y en Europa, así como la relativamente reciente inserción de exposiciones de diseño en museos como el MoMA de Nueva York, los Guggenheim de Bilbao y de Nueva York o el Reina Sofía de Madrid, nos dan una idea de la importancia que ha tomado el diseño tanto en la sociedad actual, como en los procesos creativos del momento. Los nuevos lenguajes del arte y los elementos discursivos de los diversos medios de expresión han estimulado la creación de Instituciones que tienden hacia la interdisciplinariedad, palabra clave para la comprensión de los procesos culturales de hoy, y han propiciado la ampliación del perfil de las exposiciones.

Referencias

Esta información ha sido extraida de libros y revistas especializadas y de enlaces de Internet. Ha llevado una semana y media (8 días) de intenso trabajo en casa. La elaboración del texto ha llevado también tres días y la presentación en Powerpoint esta llevando otros tres días hasta ahora.

Fuentes consultadas:

- Brown,  M., (2007). Clásicos del diseño de interiores , The Sunday Herald, 24/06/2007

- Griffith, R. Two Pooped-Out Pop Chairs, V&A Conservation Journal, no. 21.

- Livingstone, M. (2009). Grove Art Online. Oxford: Oxford University Press

- Meggs, P. (1991). Historia del Diseño Gráfico. México: Trillas

- Walker, J. (1975). El Arte después del Pop. Barcelona, España: Labor.

- Williams, G. (1996), Plastic, Pop and Mass-produced Design in the V&A's Collections,  V&A Conservation Journal, no. 21,

Enlace de Internet:

- http://www.unicahome.com/p5934/zanotta/blow-inflatable-chair-by-zanotta.html

- http://www.vam.ac.uk/files/file_upload/42730_file.pdf

Glosario

Composición - las partes de que algo está formado o construido.

Duradero - capaz de durar, ser resistente.

Extrusión - para dar forma a un material pasándolo a través de una boquilla.

Fibra de vidrio - plástico reforzado con fibra de vidrio.

Moldeado por inyección - un proceso de fabricación utilizado para hacer formas complejas de termoplásticos por compresión de polvo de plástico caliente en un molde.

Laminados - para la fabricación mediante la colocación de capa sobre capa.

Maleable - flexible, capaz de ser trabajado en sin romperse.

Chapas de madera - un tablón sólido compuesto por dos o más capas finas de madera encolada y prensada, con la dirección de la veta alterna.

Poliéster - uno de un grupo de materiales sintéticos como los plásticos, textiles y colas.

Polipropileno - uno de un grupo de termoplásticos utilizados para hacer objetos moldeados y fibras.

Polysteron - uno de un grupo de termoplásticos formado por extrusión.

Poliuretano - uno de un grupo de materiales sintéticos que pueden ser utilizados en forma de espuma, recubrimientos duros, fibras o molduras flexibles.

Prototipo - un modelo de prueba, hecho para que un diseño puede ser probado antes de que se produzca.

Termoplástico - un grupo de plásticos de uso común que se ablandan cuando se calientan.

Soldado - unido o fundido (climatizado, pero no derretido) en una sola pieza.

Fuente: http://www.awlaole.com/pilarmaria/
Pilar Mª Sánchez Cabrera – 2ESDI. Teoría del Interiorismo  – Escuela de Artes ‘Pedro Almodóvar’ 


Ayuda para búsqueda:
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